REALTOKYO CINEMA

リアルトウキョウシネマです。映画に関するインタビュー、レポート、作品レビュー等をお届けします。

Interview010 想田和弘さん(『ザ・ビッグハウス』監督・製作・撮影・編集)

生意気な人間をどれだけ増やすかが、本来の教育の目的でなければいけない

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ジム・ジャームッシュの言葉に刺激を受けて渡米を決意し、以来20年以上居住する「アメリカ」にカメラを向けた、想田和弘監督観察映画第8弾『ザ・ビッグハウス』。『港町』に引き続きインタビューを行った。今回の被写体はミシガン大学アメリカンフットボールチームウルヴァリンの本拠地である巨大スタジアム、通称「ビッグハウス」だ。ミシガン大学映像芸術文化学科の16人の映画作家(マーク・ノーネス教授、テリー・サリス上級講師らと13人の学生監督)と一緒に作り上げた。

いつもは想田ひとりでカメラを抱え+奥様規与子さんと猫のサポートで撮るというシンプルな撮影スタイルだが、「授業のなかで学生たちと一緒に撮る」という異例で冒険的な撮影はどうだったのだろう。アメリカの個性豊かな学生たちの「言うこと聞かなさ」と闘いながら、その「生意気さ」をあえて育てようとした、想田の教育ポリシー。さらに「VIPルーム突撃」の話も奥深い。

そうやって撮影された多種多様な視点”が想田の編集によってまとめあげられた。まるでプリズムのようなドキュメンタリーからはアメリカの現実、例えば人種や格差の問題、宗教、表舞台と舞台裏、スタジアム周辺に集まる人々、ミリタリズムにトランピズム、隠れた経済のサイクルも浮かび上がってくる。先に観た『港町』の魚を巡る小さな経済サイクルと比べてみると、その違いに唖然とする。蛇足ですが、筆者が学生時代に短期留学したミシガン州ホランドの私立大学で、大学のアメフトスター選手とチアリーダーにインタビューし、「スポーツとコミュニティ」についてレポートを提出したことを思い出し、不思議な縁を勝手に感じつつ、話を伺いました。Go Blue!

聞き手・文:福嶋真砂代

◼️「ビッグハウスって何?」から始まった

ーー想田さんは2016年にミシガン大学、映像芸術文化学科に客員教授として招かれたのですね。ビッグハウスをどうして撮ることに?

そもそもマーク・ノーネス教授からドキュメンタリーの授業を1年間、正確には8ヶ月間ですがやりませんかと、誘いを受けたんですが、そのときは、「ビッグハウス」の「ビ」の字もなかったんです。(ミシガン大学9-12月、1-4月で学期が分かれる)。でもおもしろそうな機会だなと行くことにしたんです。そのあとで「ビッグハウスを撮る授業をテリー・サリス上級講師と一緒にやるんだけど、それに加わらないか」と言われて、僕は「ビッグハウスって何?」って(笑)。

ーーそれまでは想田さんの頭の中には、ビッグハウスもアメフトもなかった。

アメフトのルールも知らなかったし、いまでもよく解っていません(笑)。でも、アナーバーの人口は10万人くらいしかないのに、10万人以上収容できるスタジアムがあるという、その事実だけでも、すごく変なことが起きているな、それは被写体としてはおもしろいに決まってる、と思ったので引き受けようと思いました。但し、そのときに確認したのは、観察映画のスタイルでやるということ。つまり、あらかじめリサーチをして台本を作ったり、ストーリーを決めないという撮り方です。そういう方法をマークとテリーが受け入れてくれるかというところを確認し合い、OKだというので撮ろうと。当初は前年の2015年に大学に行く予定でしたが、いろいろな事情で2016年に延期になり、まさか大統領選挙と重なるとは! 歴史的転換点に奇しくもカメラを回していたということになりますね。

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(C)2018 Regents of the University of Michigan

ーーアナーバーはどういう都市ですか? 

アナーバーは8割近くが白人で、裕福で、大学関係者が人口の半分を占める、エリートの都市だと言われています。犯罪率もかなり低いらしく、例えば家に鍵をかけずに1ヶ月海外旅行に出かけても何もなかったという話も聞きました。近くの大都市のデトロイトとは真逆ですね。


◼️よく見て、よく聞きながら、カメラを回しなさい

ーーこの映画の驚異的なところのは、ビッグハウスの内も外も、ゲーム以外、隅から隅まで撮影されていて、地元のアメフトファンや関係者にも興味深いシーンだらけなのではないかと。地元の人たちがこの映画を観た反応はどうだったのでしょう。

 「アナーバー映画祭」という映画祭があって、僕はちょうどパリにいて不在だったのですが、そこで上映されました。学生監督10人くらいが登壇して、質疑応答も行ない、ものすごく盛り上がったらしいです。

ーー10万人以上の人が映る迫力シーンと、人々の個々の表情に寄っていくシーンと、そのコントラストも印象的です。17人の監督が1本の映画を一緒に撮るというのは、これまでの想田作品と違いますが、一体どのように?

まず、なるべく被らないように担当を分けました。マーチングバンドを撮りたい人、警備陣を撮りたい人、厨房を撮りたい人、それぞれ興味や関心が違いますから。観察映画の作り方については、撮る前にレクチャーをしました。いちばん強調したのは、あらかじめストーリーを作らない、ゴールを決めないということ、とにかくよく見て、よく聞きながらカメラを回しなさいということです。その結果、おもしろいと思うものをどんどん追っていけばいいからと。その点をみんなに徹底して、撮ってきたものを授業でみんなで一緒に観て、批評しあい、また次の試合に出て行く。これを4、5回繰り返しました。

17人がそれぞれの場所でカメラを回しているので、それぞれ視点が違うわけです。同じところにカメラを向けていても、カメラマンの視点によってこんなにも違って見えるのかと。例えばマスゲームのシーンのように、いわゆる「群衆」として描いている学生もいます。一方で、別の学生が一人一人に焦点をあてた、おもしろい顔博覧会のような、そんなセクションもあります。その両方の側面を並存するように編集しました。僕は半分くらいのシーンを撮影しています。

ーーそうすると、全部で5試合を撮ったのですね。

1試合めは見学ということだったのですが、アメリカ人の学生に「見学だよ」と言っても、カメラを回したい人は回しちゃうんです。でもそこがおもしろい。統一がとれなくて困ることもあるんですが、例えば学校で用意したカメラ機材を使いたがらずに、自分の一眼レフで撮ってくる人がいたり、コマ数を間違えて撮ってくる人もいる。だけど「人の言うことを聞かない」というのは、自主性が強かったり、個性が強かったりすることでもあるので、もう勝手にやってくれ、という感じでした。日本人だったら考えられないような統制のとれなさで、でもそれはクリエイティブといえばクリエイティブなんです。

僕は学生には生意気に育ってほしくて、生意気な人間をどれだけ増やすかが本来の教育の目標でなければいけないと思うんです。それをまとめるときに、どれだけ違和感なくひとつの時間につなげられるかが僕のチャレンジだったんですけど、けっこう大丈夫なもので、結果的にはおもしろかったです。

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Photo:Terri Sarris

 ◼️「気づき」が「視点」になっていく

 ーー17人の監督の内訳は?

授業で教えたのは3人の教員(マーク、テリー、想田)と、撮影の応援にもうひとり教員が来てくれました。他の13人は学生で、そのうち2人がマイノリティーでした。ひとりはインド系の女性で、もうひとりはけっこう複雑で、ネイティブアメリカンと黒人とイラン系とドイツ系が混ざった学生でした。あと11人は白人系でした。

ーー学生は単独で撮影に行くんですか? それともチームで?

それもバラバラで、チームの人がいたり、独りがいいという人がいたり、みんな勝手にやるんです(笑)。楽と言えば楽ですが、良し悪しはあります。

ーー撮影から帰ると、みんなで意見交換を?

そうですね、授業で映像を観ながらお互いに批評をします。ここがおもしろいね、こういうところはもっと観たい、ここは長いね、カメラワークがいいねとか、いろいろなことを批評し合いながら観ると、そのときに「視点」が生じるわけです。例えば、観客はほとんど白人だね、厨房で皿洗いをしている人はほとんど有色人種だね、という「気づき」が映画を作る上での「視点」になっていくわけです。それを撮影にも反映していきます。

◼️VIPルーム突撃、実は3回トライした

ーー「気づき」を踏まえて、どんな議論が交わされますか?

そこでも観察モードです。映っているものを見て感じたことを言い合いますね。そこで止まるのが観察映画ですから。ただ、気づいた視点をもう少し明確にするために「もっとここは撮りたいね」という話はありました。ごみ収集の人たちやチョコレートを外で売っている親子がいるかと思えば、VIPルームの人がいたり。VIPルームは最後の方に僕が撮りました。なぜ撮ったかというと、ビッグハウスを撮るなかで、貧富の差が見え隠れするからです。VIPルームはなかなか撮影許可がとれなかったんですが、やっぱり撮らないとダメだよね、という話が出て。それで大学側からは正式な許可がもらえそうになかったので、僕がゲリラ的に……笑。もう行ってしまって、その部屋のオーナーがOKと言えばいいんじゃないかというふうに行ったんです。

ーー出ました、想田さんの突撃(笑)。

VIPルームへの入り口はスタジアムの一般の入り口とは別にあるんです。タワーの6階にあるんですけど、そこにカメラを持って進むと、廊下には裕福そうな人たちが歩いているわけです。外はけっこう寒いのだけど、タワー内は暖かくて、カーディガンみたいなのを着て歩いているわけです。「ふーん」と思いながら見ると、部屋の外に表札がかかっていて、その多くは企業名です。たぶん接待に使っているのでしょう。そのなかに『ジョンソン ファミリー』という表札があって、ドアを開け放してあったんです。部屋から出てきた女性に「こういう映画を作っているんですけど、中を撮影してもいいですか」と尋ねると、中に入って訊いてくれて「いいって言ってるよ」と。それで中に入り、挨拶をして、「こういうドキュメンタリーを作っていますけど、みなさん撮影OKですか?」と話すとOKというので撮った、という感じだったんです。

ーー想田さん単独ですか? 

そうです。こういうのは年季が要るんですよ、難しいところがあって。学生もパスがあるから行こうと思えば行けるんですが、たぶん気後れして行けなかったんですね。これは俺が撮るしかないなと思って。

ーーものすごく重要な、この映画の肝のひとつでもあると思いました。「この部屋を使うにはいくらかかる?」なんて聞いちゃうんですよね。

笑。でも教えてくれないけど……

ーージョンソンさんの答え方もチャーミングで、いい人そうな、往年の選手だったのですね。

嫌な感じの金持ちじゃなくて、人柄の良さそうな人でしたね。だからこそカメラを受け入れてくれたのだと思うんです。他にもトライしたんですが、断られていて、3回トライしたうちのひとつがジョンソン ファミリーでした。

ーーVIPルームのシーンを観た、みんなの反応は?

みんな、特にマークが喜んでましたけど、同時に怖がってもいました。被写体の方にはリリースフォームという同意書にサインしてもらうんですが、それをマークはじっと見てました。

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(C)2018 Regents of the University of Michigan


◼️みんな同じ席に座るのが「ビッグハウス」なんだとミシガン市民は思っていたが……

 ーーどの範囲まで同意書をもらうのでしょうか。

大学の弁護士チームに相談しながらやっていました。まず、観衆はパブリックな場所にいるので許可はもらわなくていい。10万人にサインしてもらうわけにいかないですからね。テレビ中継も同様の理屈で成立しています。プレスルームも、記者会見もその性質上、問題ない。個別の許可は状況によって変わりますが、例えば厨房だったらヘッドシェフ、警備は警備のトップの人、救護室も救護室のヘッドの人にそれぞれ許可をとりました。救護室は患者のプライバシーがあるので、準備の様子なら撮影していいということでした。許可関係はマークが基本的に交渉して、数ヶ月かけてとってました。彼は大学常勤の講師なのでいろいろなところに顔が効きますから。僕はそこはあまりタッチしないで、撮影の内容、カメラの扱い方、撮影の仕方、心構えとかに集中したのでとてもやりやすかったです。

ーーだからマークさんがVIPルームの同意書を入念に確認したのですね。

「同意書は撮る前? 撮った後にもらった?」とか聞かれて、「なにをそんなに怖がるんだ」と思いましたけど(笑)。これは事情があって、大学当局としてはちょっとセンシティブな部分なんです。実はこのVIPルームとプレスルームがある建物のタワーは、以前はなくて、2010年にできたんです。それまで観客は全員が普通の席に座り、それが民主主義の象徴だと思っていたのだそうです。貧富の差は関係なく、みんな同じ席に座るのが「ビッグハウス」なんだとミシガン市民は思っていたんです。ところが、大学の経営上、例えばVIPルームを作って利用者から寄付を募る方がお金が集まると判断して、タワーを建築した。当時は反対運動があって、「我々の文化を変えてしまうような、階級社会の存在を包容するようなことをしてはいけない」という議論があったとか。だから大学としては、ある意味、触ってほしくない部分ではあるんです。

そんなわけでなかなかOKが出なくて、残り1試合になった時にマークに「大学の当局が渋っていたとしてもVIPルームの人がいいと言えばいいのでは?」と相談すると、彼は「うーん」って1分くらい考えて、「本人がいいと言えばいいか」と言ったので、僕はヒューと入って行ったんです。

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Photo:Terri Sarris

◼️「生意気さ」を育てたい

ーー宗教勧誘のシーンもありましたね。

宗教の街頭シーンが3つで、そのうちの2つは学生、1つは僕が撮りました。キリスト教福音系の人が多く、あとエホバの証人も。「生命は作られたのか」と書いてあるタテカンを持っている人を見つけて、すぐに撮りました。僕は大学で宗教学専攻だったので宗教には特に敏感なんです。

ーーキリスト教のミサの後、スタジアムの清掃作業ボランティアたちを撮っていましたが、彼らはミサに出ていた人たちですか?

教会の人たちがボランティアで清掃し、そのままビッグハウスの施設の中でミサをするんです。ジェイコブという学生が撮ってきたのですが、非常にファインプレーでした。いつも土曜日に試合があるので、清掃は必ず日曜日にある。もともとは清掃を撮りに行ったのですが、どうも清掃の人たちはキリスト教の信者で、ビッグハウスでミサまでやるんだということに気づいて、ミサも撮ってきたのです。

ーーその関係性を見つけたんですね。

そうです。彼がよく見て、よく聞いていた証拠です。普通は清掃を撮りに行ったら、それだけで満足して帰ってくるんです。そこはものすごく褒めました。ただ彼はコマ数を間違えて撮ってるから、映像はガクガクしてます。まあほとんどの人は気づかないのではないかと。僕はもちろん気づきますけど、24コマだと言っていたのに、30コマで撮ってきてるんですね(笑)。

ーー惜しかった。

そのつもりで観ればわかるんですけど、映画っておもしろいもので、編集上の流れで不自然じゃなければ、みんな違和感を持たずに画質の違いも気にならなくなるんです。でも実はカメラワークもうまい人もいれば下手な人もいる。解像度は2Kでと言ってるのに、4Kで撮ってくる学生もいるし、編集ソフトもPremiere Pro でまとめるので、それで統一してねと言ってるのにFinal Cut Proでやってくる学生もいる。Final CutからPreimere Proへの変換がうまくいかないと、大変なんですよ。あのときはちょっと怒りましたね、人の話を聞けよって(笑)。

ーーいま想田さんは全員の顔が浮かんでるんですね。

浮かんでます。全員のやらかしたことを覚えてます(笑)。ドキュメンタリーを撮ろうなんて人は、もしかすると生意気な人が多いかもしれません。でもその「生意気さ」を育てようとしました。学生たちが自主的にやりたいということを積極的に応援しました。全然ビッグハウスに関係ないのにオバマの演説撮りに行った学生とかもいたし。

ーーえ!? 

大統領選挙の前日に急に当時大統領のオバマが来たんです。ミシガンは民主党が強い地域だったのでトランプが勝つとは思われてなくて、でもオバマが来るということは、ヒラリー陣営は危ないのかと……。でも、ヴェサルという学生が「オバマが来る!」って興奮して、撮りに行きたいから、僕に一緒に来てほしいと。「全然関係ないしな」と思いながらも、一緒に行きました。そうやって自分で意欲を持ってやるときに最も「学び」が起動します。それは応援したい。ヴェサル、ジェイコブ、レイチェルの3人は大統領選挙後にあった女性の大規模な行進を泊りがけで撮影してきたり、ビッグハウスの映画が一段落しても、事あるごとに撮影に出かけて、僕に見せてくれました。それは僕としてはすごくうれしいことです。

ーー指示待ち傾向の日本の学生との違いは感じますね。想田さんがアメリカに拠点を移されたときも、そういう違いを感じたからなのですか?

僕の場合は、日本から出て違う世界を見てみたいという願望と、あとは映画を撮りたいと思ったけれど、大きな映画会社では助監督の募集が当時なかったからです。その頃にたまたま読んだジム・ジャームッシュのインタビュー記事で「NYの大学で映画を勉強して映画監督になった」と彼が話していて、なんだその手があるんだ、と行ってしまったわけです。他には何も考えてなかった。ただ日本の映画界の徒弟制度みたいなのは嫌だなあとは思ってました。

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(C)2018 Regents of the University of Michigan


◼️政府を通さない再分配システム、その光と影

ーー『ザ・ビッグハウス』の学生監督たちは学科生ですか?

映像芸術文化学科の学生が多かったですが、他学科の学生もいました。学部ですので18歳くらいから20代前半で、男女比は半々でした。授業は毎週7時間。作るだけではなく、観賞と批評もやります。ダイレクトシネマのクラスだったので、その名作を観て批評し合ったり、歴史、理論の勉強も並行してやりました。「理論、歴史、実践」を全部一緒にやったので、非常に深いドキュメンタリーの教育になったと思います。かなりハードだったと思いますが。で、この授業が存在するのも、ビッグハウスがあって、ビッグハウスが寄付を集めるエンジンになっているからこそなんですね。

ーービッグスポンサーを撮ったということになりますか。

「ビッグハウス」というシステムがあって、そこが卒業生たちの寄付を集めるマシンになっているからこそ、ミシガン大学の経営が成り立っている。税金は予算の16%しかないから、それ以外は全部大学が集めなければならない。それでも授業料の値上げは必至で、いまや州内の学生でも年間1万5千ドル、州外からだと5万ドルの学費がかかります。やはり貧しい家庭の人は奨学金システムが必要で、そのシステムを支えているのが富裕層の寄付。なかには30億円くらい寄付する人もいます。年収6万5千ドル以下の家の学生は授業料は免除で、それも寄付金で賄われます。そう考えると、階級社会の存在があり、貧富の差ができて、それは由々しきことではあるけど、その階級社会の存在があることで大学や学生が支えられている。構造的には複雑で、一刀両断にはいかない。

ーーお金の循環と言えば、『港町』では魚の行方を追って、小さな経済のサイクルが見えましたが、今回は大学の経済サイクル、ひいてはアメリカの経済サイクルが……

おもしろいのは、アメリカの場合、この大学のように、政府を通さない再分配システムがあるところです。でもいろいろ矛盾もあって、アメフトチームが強い時期には寄付は増えて、弱い時期は寄付が減るのだと。そうすると選手には「勝つ」ことへのプレッシャーがかかる。だけど選手はプロじゃないからお金はもらわない。監督は年間9億9千万円とか報酬があるのに、学生たちは無給でいいのかとか、そんな問題もあって、本当に光と影があるんですね。

 (※このインタビューは2018年5月21日に行われました。)

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(C)2018 Regents of the University of Michigan

Information:

監督・製作・編集:想田和弘
監督・製作:マーク・ノーネス、テリー・サリス
監督:ミシガン大学映画作家たち
配給:東風 + gnome
2018年|米国・日本|119分|カラー|DCP|ドキュメンタリー|英題:THE BIG HOUSE
公式HP:

映画『ザ・ビッグハウス』公式サイト|想田和弘監督 観察映画第8弾

201869()より渋谷 シアター・イメージフォーラムにてロードショー、ほか全国順次公開

関連書籍情報
本作『ザ・ビッグハウス』制作の舞台裏を記録した単行本「THE BIG HOUSE アメリカを撮る」(想田和弘 著/岩波書店 刊)が2018530日に刊行されました。

tanemaki.iwanami.co.jp



 

 

Interview 009 安宅紀史さん(沖田修一監督『モリのいる場所』美術監督)

映画のなかで蘇る、画家・熊谷守一の世界を生んだ「家」と「庭」

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(c)2017「モリのいる場所」製作委員会

下駄を履く音。鳥の声。三角帽をかぶり、両手に杖をとる。「行ってきます」。そう言って94歳の画家、モリこと熊谷守一山崎努)が向かったのは自宅の庭だ。「はい、行ってらっしゃい、お気をつけて」と洗濯物を干しながら送り出す、78歳の妻・秀子(樹木希林)。おとぼけと敬愛。草木が生い茂る庭を歩き回るモリ。とかげ、あじさい、金魚、石ころ。蟻の行列を、地面すれすれに頭をかしげて、じぃっと観察する。晩年に病を患ってからは、30年ものあいだ、ほとんど家から出ることなく、庭の生きものたちをよく見て、明快な色彩とかたちで描いた。夫婦の間柄も庭の自然も、毎日同じようでちょっとずつ違う。

 沖田修一監督の最新作『モリのいる場所』は、この画家、熊谷守一1880-1977)を、ときにユーモラスに描いた愛情あふれる作品だ。「わたしは生きていることが好きだからほかの生きものもみんな好きです」。人生に翳りがなかったわけではないが、常に新鮮な「今」を生きた。

 映画の舞台はほぼ家と庭のみ。人物たちは風景の一部となっている。守一が多くの作品を生み出す源泉となった小宇宙=庭の造形が、この映画を生き生きと支えている。美術を担当した安宅紀史さんに制作プロセスなどをお聞きした。

聞き手・文:白坂由里

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(c)2017「モリのいる場所」製作委員会

手入れされすぎず、荒れ放題でもない、モリが回遊する

——熊谷守一という実在した画家をモデルに映画化するにあたって、沖田監督とはどのような話をして美術を制作されたのでしょうか?

守一さんの旧居と庭が残っていないので、画集や写真集を見たり、旧居跡地に建つ豊島区立熊谷守一美術館に足を運んだりして調べました。沖田監督に脚本をいただいてからは、リアルなドキュメンタリーというよりもフィクショナルな部分を混えたイメージを持ちましたので、完全再現というわけでなく、この映画の世界のなかでの家や庭のありようを見つけていきましたね。

 

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(c)2017「モリのいる場所」製作委員会

——映画では、昭和49年(1975年)のある一日と設定されています。守一さんは晩年、午前中は庭を観察して、午後は訪問客の相手をし、夜に絵を描いていたといいます。年月の染みた、いい家を見つけられましたね。

40年以上の木造家屋を熊谷家として再現しました。ほとんど家と庭だけが出てくる映画ですので、セットでという話はなく、ロケーション探しが肝でした。制作部があちこち見に行って、神奈川県葉山市にある古民家がやっと見つかった。当初は同じ敷地内の別の家と庭をそれぞれ分けて撮影してつなぐ提案もしたのですが、家と庭が途切れることによって、つながっていく空気感やお芝居に影響が出て失うものもありそうでしたので。家と庭の両方揃っていることが大切でした。

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(c)2017「モリのいる場所」製作委員会

——確かに。庭からも玄関からも筒抜けの印象です。

庭と家だけの空間なので、導線の自由度がないと息苦しいものになってしまいます。最初は、近くの別の家も候補だったのですが、背景に現代的な家が見えてしまったり、路地の導線をつくるには狭かったりで。加工で消すのも、キャメラマンが撮影で切り取るときに躊躇するのも避けたかった。守一さん自身が庶民的な家に住んでいらしたので、大きな庭のお宅は立派すぎてしまうんです。結局、縁側から見た庭のよさが決め手になり、2軒の庭の境目を取っ払ってつなげて植栽も足しました。手入れされすぎず、荒れ放題でもなく、ちょうどいい庭でした。

——カメラマンの藤田武さん(加瀬亮)とアシスタントの鹿島くん(吉村界人)や、旅館の看板を描いてもらおうと静岡からやってくる雲水館のご主人(光石研)などの訪問客が庭の小道を歩いてきます。あの道もつくったのですか?

はい。あの庭があったから、あの曲がりくねったストロークの道もできました。作為的でなく、守一さんがいつもうろうろ回遊しているうちに自然にできた道に見えるニュアンスを心がけました。監督も、庭から人が出入りする姿が面白くてアイデアが膨らんだと思います。

——異世界への通路を思わせる大きな池も出てきます。

実際に5、6mほど掘ってつくりました。カメラのひきじりも必要なので、スロープもつくって。「天狗の腰掛け」とみんなが呼んでいた切り株や樽などの椅子も点在させました。

——奥行きのあるオープンな家と庭は、モリそのもの。あの場所からたくさんの絵画が生まれたんだなあと想像できました。

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(c)2017「モリのいる場所」製作委員会

いろんな人がいろんなところから出入りする、暮らしの肌合いのある家

——家の内装もまた、守一たちの生活の痕跡が感じられるものでしたね。

持ち主の方にご相談して、人が行き来できるように壁と押入れを抜き、カーペット敷きだった縁側の床を板間にして、建具を変えたりしました。撮影のアングルも人の導線も自由にできるようにして。いろんな人がいろんなところから出入りするイメージがあったので、空間的につながって見える方が面白いかなと。日本家屋ならではですね。

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(c)2017「モリのいる場所」製作委員会

——家具などの小道具はどのように選んだのですか?

昔のものを大事に使いながら便利なものは取り入れている生活スタイルでしたので、電子レンジやテレビも置きました。藤田さんが撮影した写真集を参考に、それに近いものをなるべく揃えて。撮影所にないものは、オークションで探したり、骨董屋でリサーチして借りたり、買ったり。

——木目の見える食卓や客間の座卓に味がありました。

足がぐらぐらだったり(笑)。きれいにつるっとしたものより、ゴツゴツした肌感がある、使い込んだもののようなものを揃えてもらいました。

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(c)2017「モリのいる場所」製作委員会

——沖田監督の2013年公開作『横道世之介』では、登場人物たちが読みそうな本を本棚に揃えていたとおっしゃっていましたね。本作でも、しっかりと写っているわけじゃないけれど細部のリアリティにこだわったところはありますか?

 藤田さんが撮影した守一の写真集に、幼少期亡くなられた長女が描いた黒板が飾られている写真があるんです。この黒板を入れるべきか迷い、監督と話し合った末に、さりげなく置きました。映画全体はほのぼのとした空気感ですが、その奥底には、5人の子どものうち3人を亡くしている喪失感があります。

——守一の絵に「ヤキバノカエリ」という絵がありますね。映画では、後半の秀子さん(樹木希林)のセリフでわかります。

ええ。それもあからさまには語られないので。そういえば樹木希林さんがこたつ掛けを持ってこられたんですよ。僕らでも何パターンか用意していたんですけど、「合うんじゃないかと思ったけどどうかしら」って。それがやっぱりセットに馴染んで。人が入ったときの馴染みもよかったですね。

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(c)2017「モリのいる場所」製作委員会

描くことでもうひとつの世界をつくっている。それを信じて描いている

——熊谷守一についての見方も変わりました?

最初に画集を見たときはピンと来なくて、デザインぽい感じだと思ったんですね。それが、美術館で実際の作品を見たら、筆のストロークが緻密で、すごく念を入れて描いていて、まったく印象が変わりました。単純化された線と、抽象化に近い感じでつくられていて、絵を描くことで世界をひとつつくっているということを信じて描いているように思いました。そうじゃないとああいう絵はなかなか描けない。

——守一さんの絵を再現した画家の方はどんな反応でしたか?

プロの画家にお願いしたんですけど、筆のタッチやストロークの微妙な違いで印象が変わってしまうので、難しかったようです。シンプルに至るまでの、見えないところではかなり厳しく追求していたんだろうなと。それで、写真集を参考に、画室の再現にも力を注ぎました。

——守一さんが「学校」と呼んでいた画室ですね。「仙人」あるいは「素朴な癒しの画家」のように言われてきましたが、回顧展「熊谷守一 生きるよろこび」(2017121日~2018321東京国立近代美術館414日~6月17日 愛媛県美術館)では、ろうそくの光で描いていたり、同じアングルで何枚も描いていたりと、実験の過程が科学的に解き明かされています。

 試写会では「だれも描く姿を見ていないので、映画でも描く姿を無理に見せず、画室に入っていくシーンだけで想像させているのが素晴らしい」と東京国立近代美術館キュレーターの蔵屋美香さんも語っていました。

 諦念をもって現実を楽しめる、懐深い秀子がいるから、モリも庭と絵の異世界に毎日行って帰ってこられたのかなと思います。

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(c)2017「モリのいる場所」製作委員会

 人といっしょにつくる面白さ。毎回初めてつくるような気持ちで

——安宅さんは、映画美術には、どのように取り組まれているのでしょうか?

作品によってさまざまですが、監督がイメージされていることをまず再現したうえで、監督のイメージよりも大きなものになればと思っています。

——観客が映画を見るときは、キャラクターやストーリーをつかむのでいっぱいになってしまうかもしれませんが、2、3回目に美術や照明などにも注意して見るといいかもしれないですね。

ええ。視線を変えれば違ったものが見られて、背景とかにも発見があるかもしれません。

——映画美術って、声高ではないですけど、ものが、人物の個性や時代、人との関係性など言葉にならないニュアンスを伝えている。制作現場ではキャストの盛り立て役でもあり、画面ではものと人が相互に働きあっているように感じます。

うれしいです。毎回、役者さんが入ったときに馴染むかどうか、違和感を感じないかという怖さもあり、気に入っていただけたときはホッとします。

——横道世之介」の取材時、毎回初めてつくるような気持ちでいたいとおっしゃっていましたね。

今でもそうありたいと思っています。忙しさのなかで忘れちゃっているときもあるかもしれないですけど。同じような題材・年代・シチュエーションでも、監督とスタッフが違えば表現は違うものになります。一からつくる、というのが基本かなと。

——人といっしょにつくる。

「人」によってできあがってくるものが変わってくるんですね。現場で背景や世界観をつくることはできるんですけど、撮影で切り取られた絵はコントロールできないので、照明の当たり方など、自分が思っていた絵と違うなと思うこともあります。ただし自分がうまくいかなかったと思っていても、こういう方向性で画(え)ができあがっていてすごいなと感心するときもあって。現場にいたら画作りに参加しますけど、芝居とか、どういうアングルでどう切り取るか、どういうカットで編集するか、自分が思っているイメージだけで成立するものではないし、正解はない。映画美術の面白さはそこにあります。

——守一さんの制作は孤独だったと思いますが、生きものの力を借りていた。モリが世界をどう見ていたのか、大勢が覗き込みながらこの映画がつくられた。そこにアートがあるように感じました。

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(c)2017「モリのいる場所」製作委員会

(※このインタビューは2018年4月11日に行われました)

Information :

モリのいる場所
監督・脚本:沖田修一/日本/2018年/99分
出演:山﨑努、樹木希林加瀬亮 吉村界人 光石研 青木崇高 吹越満 池谷のぶえ きたろう 林与一 三上博史
配給:日活

mori-movie.com

2018519日(土)よりシネスイッチ銀座ユーロスペースほか全国順次公開中

★7月16日~29日、北米最大の日本映画祭「ジャパンカッツ」でも上映。国際的に活躍する日本人俳優に与えられる賞「Cut Above Award for Outstanding Performance in Film」を樹木希林が受賞した

展覧会「没後40年 熊谷守一 生きるよろこび」617日まで、愛媛県美術館にて開催。

開催概要・チケット情報|開館20周年記念 没後40年 熊谷守一 生きるよろこび|愛媛県美術館 2018年4月14日(土)〜2018年6月17日(日)

プロフィール

あたかのりふみ/1971年、石川県出身。「月光の囁き」(99、塩田明彦監督)にて美術監督としてデビュー。主な作品に『ピストルオペラ』(01、鈴木清順監督。木村威夫美術監督の下、美術として)、『マイ・バック・ページ』(11、山下敦弘監督)、『夏の終り』(13、熊切和嘉監督)、『予兆 散歩する侵略者』(17、黒沢清監督)、『羊の木』(18、吉田大八監督)、『オー・ルーシー!』(18、平柳敦子監督)。2018年『ハードコア』(山下敦弘監督)公開予定。沖田修一監督作品では『南極料理人』(09)、『キツツキと雨』(12)『横道世之介』などに続く参加。

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安宅紀史さん

Review 26『ユートピア』

仮想現実とこの世界はこうやってリアル融合する

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(C) UTOPIA TALC 2018

現在、下北沢トリウッドにて公開中のSFファンタジー映画『ユートピア』。伊藤峻太監督(『虹色☆ロケット』(2007))が、監督のほかに、脚本、編集、VFX、主題歌の作詞作曲を手がけている。さらには新言語「ユートピア語」の創造も。ひとつの言語を作るって、果てしない労力と根性が要ることだろう。その新言語を登場人物たちは「自分の言葉」として流暢に話し、まるで異星人のように棲息している。もちろん秀逸なCGクオリティ、映像美にも目を奪われるが、このユートピア語こそ、ユニークな世界観を生み出す強力アイテムと言えるだろう。観客は言葉の美しい音色を聴きつつ、字幕を追い、未知の世界を体験する。それにしてもまみとベアは、突然の出会い(しかもものすごくびっくりの出会い方)の後、すぐに言葉を超えた意思疎通ができるのが気になると言えば気になる。ふたりの関係には、ある秘密が隠されていることが後々判明するのだが......。

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(C) UTOPIA TALC 2018

物語は、童話の「ハーメルンの笛吹き男」をモチーフに、さらにトマス・モアの小説もエッセンスとして取り入れ、730年前の出来事がいまだ大きな影響を与えている「現在」の世界を、ファンタジーとリアルを見事に融合させて描かれる。10年をかけ、その間に未曾有の大震災を経て、感じ、考えたことも染み込ませ、伊藤監督が作り上げた世界は深い、深すぎるかもしれない。レイヤー構造のストーリーを一気に把握するのは難しいのだが、できれば2度、3度と観たい。新言語を話す人物たちに見惚れ、CGの素晴らしさ(プレステ2ICO』の色調や質感に通じている気がする、私見です)に仰天しているうちに、壮大なストーリーが展開していく。やがて、自分たちの手に負えないものを作ってしまった人間、嘘ばかりつく政府、どうしようもない無力感を超えて、革命を起こすことは可能なのか。いや行動を起こすべきだろう! そんなメッセージを受け取った気がした。キャストには松永祐佳、ミキ・クラーク、森郁月、高木万平のフレッシュな若手俳優、さらに地曵豪、ウダタカキ、吉田晋一ら実力派が脇を固める。『虹色☆ロケット』に続いてヒロインを演じた松永の透明感はとりわけ印象的で、伊藤が作詞・作曲したポップな主題歌を歌う松永の澄んだ歌声も素晴らしい。10年間の伊藤の想いがぎっしり詰まる美しくシリアスな世界、下北沢トリウッドでぜひ体験してみて。

福嶋真砂代★★★★

Story:

その日、真夏の東京に雪が降った─

ある夏の朝、まみが目を醒ますと雪が降っていた。
そして、二段ベッドの上に現れた謎の少女 ベア。
電気や水などのライフラインが途絶した混乱の中、
まみは言葉の通じないベアに妙な懐かしさを覚え、
惹かれてゆく。
しかし、行動を共にする中でたどり着いた絵本
ハーメルンの笛吹き男》に二人は驚愕する。
なんとベアは、1284年にドイツのハーメルン
笛吹き男にさらわれた130人の子どもたちの 一人だった。

時を同じくして、少しずつ姿を消す東京の子どもたち。
ベアをさらった笛吹き男「マグス」の正体は?
夢の中にある「火も音楽も名前もない平和な国」とは?
そして、ベアの未来は?

停止した東京で、おとぎ話の続きが始まる。

Information:

監督/脚本/VFX/編集:伊藤峻太
プロデューサー:大槻貴宏
音楽:椎名遼
キャスト:松永祐佳、ミキ・クラーク、高木万平、森郁月、吉田晋一、地曵豪、ウダタカキ、まなせゆうな椿鮒子、吉田佳代

下北沢トリウッドにて公開中

映画『ユートピア』公式サイト

下北沢トリウッド

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松永祐佳さんと伊藤峻太監督@下北沢トリウッド

 

Interview 008 平栁敦子さん(『オー・ルーシー!』監督・脚本)

繊細に大胆に、映画とシンクする気鋭の新人監督

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公開中の長編デビュー作『オー・ルーシー!』の監督・脚本を務めた平栁敦子さんがアメリカから帰国し、インタビューした。17歳で単身渡米し、サンフランシスコ、ニューヨークで演劇、映画を学んだ。大学院修了作品の短編『Oh Lucy!』が各国で受賞し、その長編バージョンとなる本作を発表。海外の映画祭に次々に正式出品され、多くの受賞を果たした新鋭監督。聞けばジャッキー・チェンに憧れ、女優を目指していたと……? 43歳のOL節子を通して描く女性の転機。寺島しのぶの“弱さ”をさらけだす痛い“強さ”は絶好調で、平栁が役者たちと”シンク”する現場の醍醐味をありありと語ってくれた。ジョシュ・ハートネット役所広司のこともたっぷり。カリフォルニアから映画界に吹き込まれる新しい風をぜひ感じてみてほしい。ところで、英語タイトルに埋め込まれた頭文字のシークレット、お気付きですか?

聞き手・文:福嶋真砂代 

◾️心配するのが嫌だから「やっちゃえ」って

ーー短編では桃井かおりさんが主演で、桃井さん独特のルーシーが観られますね。(短編『Oh Lucy!』はVimeoで視聴できます)

短編は、本当に桃井さんにしかできないルーシーだと寺島さんもおっしゃっていました 。長編では、さらにルーシーのいろんな部分が出てきて、また年齢的な葛藤も含めて、こちらはまた寺島さんにしかできないルーシーだったと思います。

ーー寺島さんのなんというか、痛い演技が、いつもに増して強力でした。ヒロインの痛みの種類としては、例えば『やわらかい生活』(廣木隆一監督:2005年)の寺島さんがみせた「弱さ」とは違って、ルーシーは弱さの裏にある「強さ」が印象的です。

気づいてくださって嬉しいです。そう、ルーシーには「強さ」があるんです!

ーーところで平栁さんが17歳で渡米されたのは、最初から映画を勉強する目的だったのですか?

最初は、とにかく英語を学びたいと思いました。元々アメリカの大学で演劇を勉強したいと考えていたので、大学から行くよりも、高校生のときに語学留学したほうがいいと思いました。大学に入ったときにはすでに英語を喋れるようになっていたかったんです。

ーー将来のイメージをすでに描いて行かれたのですね。もしかすると用意周到なタイプですか。

計画を立てるのは好きです。でも結局思い通りにならないんですけどね。だから「やっちゃう」とどうにかなるという感じです。例えばプールで高飛び込みをするとしたら、あまり考え込むと飛び込めなくなってしまうから、考えるより先に「飛び込め」って感じです。バク転するときも、ある意味思いっきりがないと、できないのではないでしょうか? 私にはバク転はできませんが(笑)。

ーーそういえば、極真空手の黒帯保持者だと。

私は10歳から空手を始めて、5年ぐらいで茶帯まで行ったのですが、渡米した頃はロサンゼルス(LA)に同じ流派の道場がなかったので続けられなくて。サンフランシスコの大学を卒業して、演技を本格的にやろうとLAに帰ってきたんです。そのときに道場が開設されたと聞いて、入ることに。でもブランクがあったし、初日に茶帯をしめて稽古していたら、スパーリングの際に白帯の男の子に「ボーン」と頭を蹴られてしまって。先生には「よくそんなに休んでいたのに、また始めようと思ったな」と言われ、よく考えるとそれもそうで。そんなふうに、決めると考えるより前に行動に移してしまうんです。 それは実は、すごく心配性ということの反動なんです。白帯の男の子にやられるなんて、やる前にそう考えていたら再開できなかったと思います。心配するのが嫌だから「やっちゃえ」ってことなんですよね。演技をするときもそうなんです。

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(c) Oh Lucy,LLC

◾️女優になるべくして生まれた寺島しのぶ

ーー監督は女優を目指されていた?

はい、最初になぜ演技をやろうと思ったかというと、ジャッキー・チェンに憧れていたんです。彼は監督、脚本、主演、全部を自分で出来ますから。でも私はシャイな人間なので……、あ、笑いましたね、みんな笑うんですけど。本当にシャイなので、演技をやらなきゃと考えたんです。今、こうお話ししているのも、実は演技で学んだ事を実践しているんだと思います(笑)。舞台に出る前なんかは心臓がバクバクして、いつも死にそうな気分になっていたんです。だけど、寺島しのぶさんはそれがないのではと思います。寺島さんは長い歴史と伝統がある歌舞伎の家柄に、まさに女優になるために生まれてきた方で、おそらくDNAが進化して、脳に「恥ずかしい」という回路がないのではないかと、そんなふうに感じたんです。私はどちらかというと、カメラを意識してしまうし、頭の中で自分が話す声が聴こえてしまうんです。「何やってるんだろう私、ハハハ」と笑っちゃったりして、冷めて見ている自分がいるんです。だから、その声を聴こえなくするために、思いっきり役作りをしなくてはならない、メソッドタイプなんです。例えば洞窟で飢え死にしそうな芝居があるとすると、本当にそういう場所に行き、食べないようにしないと役に入れないタイプというか。だけど寺島さんは、これはジョシュ(・ハートネット)も同じことを言っていましたが、キャンディークラッシュ(ゲーム)で遊んでいても、「本番!」って言われると「はーい」というふうに、すぐに役に入れるんですね。それを見たときに「あ、本質的に違う」と思いました。彼女は「女優」というやるべき事をやっているんだなと。

ーー資料を拝見すると、リハーサルをしない撮影法なのだとか?

私はリハーサルをしない方がいいと思うタイプなのでしないのですが、役者さんがしたいと言うならします。そのときは詰め込まないものになります。今回のキャストのみなさんは「しなくてもいい&したくない派」でした。時間が限られているということもありましたが。

ーージョシュさんのカンヌでのインタビューをネットで見ると、「平栁監督はとてもソフトな言葉でじわじわと説得してきて、ここまではやらなくていいだろうという演技までやらせてくれる」のようなことを話していました。

(笑)たぶん、それがどのシーンだかわかります。

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(c) Oh Lucy,LLC

ーー英会話教室でジョシュがやって見せた、おもしろいエクササイズシーンもそうですか?

実際にあのようなエクササイズがあるんですね。ジョシュが人に聞いたりして、それを即興で演じてくれたんです。ジョシュがまずやってみせてくれて、「じゃそれやって下さい」みたいな流れで、あのシーンが出来ました。

ーー寺島さんと南果歩さんの姉妹の関係性もおもしろくて、ふたりのぶつかり合いも強烈でした。あの喧嘩シーンはどのように? 

最初はダンスみたいな感じで動きを考えて、自然に動いてもらいます。こういう流れで動いたらぎこちないというのがわかると、だったらこっちに歩こうとか、いやこちらのほうがいいという感じで動いてみて、あとは本番で感情を入れるという撮影なんです。それをアメリカでは「ブロッキングリハーサル」と言います。体の動きなどをカメラが追わないといけないので、「これでどうですか?」、「いい感じです」というように進みます。そのあとにライティング(照明のセッティング)。ライトの確認が終わったら本番です。

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(c) Oh Lucy,LLC

◾️もし演技の楽譜があるとしたら、それが全部同じ音だった

ーージョシュさんとは、現実逃避している弱い男のジョンの役をどのように作り込んでいったのですか?

彼の場合はたくさんクエスチョンをします。私にいろんな質問を投げて、私はそれに答えながら一緒に作っていきました。ジョンの役は、私が知っているアクティングコーチなどがインスピレーションになっていて、エピソードをいろいろ話すと、「そうそう、僕にも香港で英語の先生やってる友達がいて……」といった話をしながら、自分たちのイメージがだんだんシンク(同期)していくんですね。その感じがいちばんすごかったのは寺島さんです。そんなに話していないのに、最初からシンクしていたんです。私と寺島さんは性格がとても似ているのかもしれません。たまに(良い意味で)気持ち悪いことがあって、モニターの寺島さんの演技を見ていて「もし演技の楽譜があるとしたら、それが全部同じ音だった」みたいなことを感じたんです。あ、いまゾクッとされましたね。私もゾクッとしました。なんでこんなこと言ったんだろうって。

ーー言葉に出して言ってないのに通じ合っていたと。

そうですね。何かテレパシーみたいな。まるで目の下のピクピクと言う細部の演技まで演じて下さった感じです。もちろんそんな演出はしないし、いまのは例えばの話です。だからモニター見て、私はよく「そうそう」とうなずいていました。寺島さんは私がOKと言ったらすぐに次に進みます。だいたい1か2テイクでした。

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(c) Oh Lucy,LLC

日本ではマスターカメラで1回撮って、あとは2アングルくらいで終わるらしいんですけど。私の場合はワンカメ(カメラ1台)で撮っていたので、同じシーンをいろんなアングルから撮ります。ひとつのアングルで撮ってみて、でもそれを別のアングルから撮るほうがしっくりくるときがあるんです。ここからのアングルのほうがこの演技がよりしっくり表現されるというか、カメラから感情が出てくる度合いが、前のアングルだと30%だったのが、こちらからだと80%になるから、それを撮らないとダメだよ、ということになるんです。それを見つけるのが撮影のPaula Huidobro)はうまかったですね。たまに撮り終わったときに、彼女が「アツコちょっと見て」って言うんです。はっとするようなアングルを見せられると、私は「そうだよねえ」となり、「撮ろう」となることもありました。寺島さんにそれを説明したときに、私を信じてくれました。そうやって信用してくれたことが、いちばんありがたかったです。それも本当にそれまで全然知らなかった新人の私を……

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(c) Oh Lucy,LLC

ーー役所広司さんも、初対面の新人監督の作品に出演するのはこれが初めてだったと。

役所さんは、撮影期間が2日間ぐらいでした。ある意味、私のような新人に対して、サポートをして下さった気がします。何かを変えて行きたいという気持ちがある、優しい方でした。

ーーまさに映画の「トム」も、ルーシーがダメダメになったときに救世主のように現れる役ですよね。

このトムは役所さんにしかできない役ですね。役所さんがそこにいらっしゃるだけで空気が変わるんです。カメラもそれをキャッチする感じがします。英語で “gravitas(重力)というんですけど、存在感というか、引力があるんです。これは絶対クサイだろうというセリフでも、役所さんが言うと重みがあってしっくりくる。それでいてたまにカーブボールを投げたり、私にとって学びとなるような質問をしてくださいました。そんな俳優さんです。

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(c) Oh Lucy,LLC

ーー本音と建て前とか、おみやげ配りとか、ルーシーが生きるOLの世界は実にリアルでした。事前に何かリサーチをされたのですか。

私は学生の時にお中元の受け付けのアルバイトをした経験があるのですが、そういう組織の中で正規ではなくバイト社員としての位置関係がOLと近い物があったのではないかと。あとは部活などの後輩先輩というヒエラルキーのある社会での経験を通して、OLの世界も同様と想像ができました。また、2ちゃんねるのようなブログサイトなどをみてリサーチをしたり、友達や知り合いのOL経験のある人にも質問したりしました。

ーーそんな世界で、ルーシーは早々に本音をぶっちゃけるんですが、ぶっちゃけた結果、ルーシーのように会社を辞めることにも……

でも彼女は、会社を「辞める」という行動を自分から選択したのです。彼女がアメリカに行った時点で、無意識か意識的かは別として、何かを決めていたのだと私は思っています。

ーー日本の女性も鬱々としてきたものをやっとぶっちゃけ始めて、デトックスの時代が来たのかもしれません。ルーシーが「ほら!」って背中を押してくれるように感じました。

もう全部出してほしいですね。日本の女性は我慢しすぎだと思いますから。行き詰まったら、英会話教室とか(笑)、カラオケとか、あるいは自然の中に行くといいと思います。私は東京とかマンハッタンとか、大都会に長くいると心が滅入ってしまうんです。部屋から太陽と空が見えないとダメみたいです。明日はサンフランシスコに帰ります。

ーーカルフォルニアの空が恋しくなっていますね。ありがとうございました。

(※このインタビューは2018年4月28日に行われました。同日上映後のQ&A内容も一部含まれています)

プロフィール: ひらやなぎあつこ/長野県生まれ、千葉県育ち。高校2年生の時に渡米し、ロサンゼルスの高校を卒業後、サンフランシスコ州立大学にて演劇の学位を取得。2009年、シンガポールキャセイ財団の奨学金を受け、ニューヨーク大学大学院映画学科(NYU Tisch School of the Arts)に入学。13年、映画制作の修士号を習得。同大学院2年目に制作した短編映画「もう一回」(12)がショート・ショート・フィルム・フェスティバル&ASIA 2012グランプリ、ジャパン部門優秀賞、ジャパン部門オーディエンスアワードをはじめ高く評価されたのに続き、桃井かおりを主演に迎えた修了作品の短編「Oh Lucy!」(14)もカンヌ国際映画祭シネフォンダシオン(学生映画部門)第2位、トロント国際映画祭などをはじめ各国で35を超える賞を受賞。「Oh Lucy!」の長編バージョンである本作『オー・ルーシー!』は16年、脚本の段階でサンダンス・インスティテュートNHK賞を受賞、同賞のサポートを受けて制作された。プライベートでは2児の母で極真空手黒帯初段の保持者。

Information

オー・ルーシー!

全国順次公開中!

oh-lucy.com

最新ニュース!!

517() ユーロ―スペースにて一夜限りの英語字幕版上映が決定!

場所 ユーロスペース (東京都渋谷区円山町1)

日時 5月17日(木)最終回 1850

☆詳細は下記サイトでご確認下さい。

オー・ルーシー! - ホーム | Facebook

 

ストーリー:

43 歳、独り身の節子は職場では空気のような存在。通い始めた英会話教室でアメリカ人の ジョン先生に出会い、ハグされたことから一気にフォーリン・ラブ!ところがジョン先生は節子の姪 の美花とまさかの逃避行!? 仕事もうっちゃって節子は愛しのジョンを追って一路 L.A.へ!英 会話教室のクラスメート・トムこと小森も登場して、節子の恋と旅の行方はいったいどうなる!?

Review 25『泳ぎすぎた夜』

ありえないほどの奇跡がおこる雪の日の冒険

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(C)2017 MLD Films / NOBO LLC / SHELLAC SUD

実際に暮らしてみることで、その土地や街からインスピレーションを得て、物語を紡ぎ出す、そんなアプローチで撮られた『泳ぎすぎた夜』は、五十嵐耕平ダミアン・マニヴェルというふたりの気鋭の監督による、国境を超えた共同監督作品だ。ふたりは見知らぬ土地、青森でのロケハンの頃から書簡をウェブ公開していて、結果がまったく見えないその時期の試行錯誤や発見の数々を知らせてくれていた。お互いを「まったく違う性格のふたりだ」と語るダミアンは、「発見と困難の両方があった」と振り返り、しかし「ピンポン・ゲームのようにアイディア交換をしながら、喧嘩や揉めるようなことは一度もなく、ふたりの違いはむしろ豊かなものに育っていった」と、東京フィルメックスプレミア上映後のQ&Aで語っていた。

映画は、6歳の元気な少年(古川鳳羅:タカラくん)の小さな冒険を、「家」、「魚市場」、「長い眠り」の3つのパートで描く。夜明け前の古川家、出勤する父の物音にタカラくんが目覚める。実はこの冒頭の、通学前のわずかな時間に大事なヒントがたくさん隠されている。勝手な感想だが、これは謎解きRPGゲームに似ていると思う。なぜならセリフはほぼゼロに等しく、最初のうち画面は暗い(これは素敵なのだが)、全編ナレーションも説明する人もでない、難解ではないが、すごく親切とは言えない進行に、鑑賞者はじっと目を凝らして、散りばめられたアイテムを見つけ、かつ覚えておかなければならない。静まり返る家の階段、窓の外の雪、犬の歩く音、父の烟草、ジッポのライター、それからおもちゃの恐竜、そして魚の絵(これは特に重要!)。まだまだある、帽子、手袋。どれが重要アイテムでどれがそうではないか、冒頭ではわからない。しかしすべてはここにあり、この先のパートで丁寧に回収されていく。つまり綿密に隅々まで練られ、かつそこから起こる「偶然」をたっぷり遊ぶやり方。もしかしてふたりの監督はゲーマーだろうか? いやそうでなくても遊び大好き少年の心を忘れない大人であることは確かだ。犬が少年にする「おはよう」の挨拶、お姉ちゃんがほとんど眠っている弟に服を着せるシーンもチャーミング。家族の優しさ、家庭のぬくもり。外の寒い寒い雪道の厳しさとの温度差を見せつける。起点のホームをスタートしてタカラくんはひとり旅、手袋が片方なくなろうが、道端の犬に吠えられようが、あはや迷子になりそうになろうが、勇気と機転で挑むのだ。圧巻はゴール間近の吹雪の駐車場、鍵のかかっていない車を探すなんて、ありえないほどのヒーローぶりを発揮した後、やがて電池が切れてしまう.....。家→中央弘前駅→魚市場(の駐車場)→家。彼が無事でいられるのか否か、観客はドキドキの冒険ゲームにお供する。

そんな視線を独り占めする少年をキャスティングした経緯について、「青森の音楽フェスティバルで遭遇した、異常にテンションの高い、でもシャイな少年がタカラくんだった」という。次いでお姉ちゃん、お母さん、お父さん、叔父さん(タカラくんがこっそり乗った車のやさしい運転手)という順序で家族まるごとキャスティングした。カメラマンは五十嵐の前作『息を殺して』の高橋航。スクリーンサイズを4:3スタンダートにしたのは「子供のサイズ感を生かし、絵本のように作りたかった」と。

さらに「この映画は、言ってみればドキュメンタリー的なフィクションなのです。タカラくんがだんだんと疲れていく様を描けたことは、映画にとって非常に重要なことでした」と五十嵐。予測をはるかに超えていく映画のミラクル。「タカラくんから、笑ったり、孤独な気持ちを感じてくれたらうれしい」とダミアン。もしかしたらすべてタカラくんの夢の続きだったのかも、なんて。冒頭の古川家の雪の窓、あそこに映っていたのかもしれない......。(敬称略)

福嶋真砂代★★★★

Information:

泳ぎすぎた夜

監督:ダミアン・マニヴェル五十嵐耕平/日本、フランス/2017年/79分

配給:コピアポア・フィルム、NOBO

映画『泳ぎすぎた夜』オフィシャルサイト

2018年4月14日(土)よりシアター・イメージフォーラムほか全国順次公開

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第18回東京フィルメックスで学生審査員賞受賞(学生審査員とダミアン・マニヴェル五十嵐耕平監督)

★『泳ぎすぎた夜』 | 第18回「東京フィルメックス」

 

 

Interview 007 想田和弘さん(『港町』監督・製作・撮影・編集)

もう“忍者”じゃない、観察映画の新境地

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最新作『港町』(観察映画 第7弾)が公開となる想田和弘監督に、『選挙』(2007)から数えて6回目となるインタビューをした。『港町』は、前作『牡蠣工場』(2015)の制作と並行して撮られたドキュメンタリーで、妻の柏木規与子(製作)の実家のある岡山県牛窓を舞台に、漁師のワイちゃん、謎の女性クミさんというふたりの老人と、うしまど猫たちの日常を映す。想田ルールの「観察映画の十戒*1は守られ、興味深いシーンが鮮やかな印象を残しつつも、全編(ラストの一瞬を抜かして)がモノクロームの本作は、これまでの現実主義な感じと趣きが違う。ワイちゃんの船に乗り込む時も、魚やの高祖夫人の車に同乗する時も、墓場で村君さんの話を聞く時も、偶然の流れに乗りながら、確かに想田カメラは主導権を握っている。しかしある時、どうにも舵が取れなくなる。「おいで」と言われて一瞬惑い、老婆のあとを追い、不思議な話を聞く......、この出会いを「夢幻能」に喩えた、その真意とは? またワイちゃんやクミさんが暮らす牛窓の営みを観察することで見えてくる日本の現在と未来、そして失われた過去に想いを馳せる。「ささやかながら『港町』はひとつの供養になっているのではないか」と語ってくれた本作に、『牡蠣工場』とはまた別の牛窓の顔がみえてくる。

聞き手・文:福嶋真砂代 

◾️きっかけはワイちゃんです

 ーー『選挙』でお会いしてから10年が経ちました。想田さんは37歳の時に映画監督として長編デビューされてますが、いまの監督たちに比べたら遅めのデビューと言えるでしょうか。

そうかもしれないですね。今回行ったベルリン国際映画祭で日本人の20歳と25歳の女性監督(山中瑶子監督『あみこ』&清原惟監督『わたしたちの家』)がエントリーされていて、山中監督は映画祭で最年少でした。いつまでも僕の自己像は若手という感覚なんですけど、そうでもなくなりましたね。

ーー10年前から「観察映画の十戒のスタンスを守られていますが、それにしても、この『港町』は、これまでの観察映画の流れとは少し異なる趣きでした。『牡蠣工場』にワイちゃんとクミさんがチラリと登場してますね。そのおふたりが『港町』の主役でしたから驚きました。

逆に言うと『牡蠣工場』のとき、すでに『港町』を作ることは決まっていたので、カメオ出演的に『牡蠣工場』に登場してもらったとも言えます。

ーーなるほど。仕掛けていたんですね。

そうです。『牡蠣工場』と『港町』は2013年11月に、同時に撮っていました。実は最初は『牡蠣工場』と『港町』を1本の映画にしようと思っていました。でも『牡蠣工場』の編集を始めてすぐに、「あれ、これは牡蠣工場だけで2時間越えの映画になっちゃうな」と思い、そこにクミさんやワイちゃんを入れようとすると焦点がぼやけてしまうので、ふたつは分けて作ろうと方針転換しました。

ーーそれでいま『港町』が公開になるというのは何か理由が? 『ザ・ビッグハウス』と公開が接近してます。

たまたま同時に出来たということなんです。『ザ・ビッグハウス』もそうなんですが、僕はいつも成り行きで映画を作ることになる。『港町』も、『牡蠣工場』用の風景ショットを撮るために牛窓をうろうろしていて、偶然ワイちゃんに出会ったことがきっかけでした。「今日とれた魚だ」と、たぶん僕がカメラを持っていたからだと思いますが、「撮って」という感じで見せてくれたので、カメラを回し始めた。それから「明日漁に出るよ」と言われたので、「乗せて行って下さい」と一緒に海に出ました。さらに魚をどこへ持って行くのかと追うと市場に出た、その一連の自然な流れでシーンが撮れていった。市場でセリをしていた高祖さんは、僕たちがいつも魚を買っていた鮮魚店のおかみさんで、「あ、高祖さんがいる」とついて行ったんです。

ーーもう高祖さんが「嫌だ」と言うのに、想田さんは車に乗り込みましたね。あの強引なところが想田さんらしくて(笑)。とは言え、高祖さんにしても「仕方ないな」という感じで、そこによい関係性を感じました。『牡蠣工場』のときに、「漁師さんを撮りたいと思っていたら、牡蠣工場だった」とおっしゃっていましたが、ワイちゃんを撮ることでそれが叶ったということですね。

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(C)Laboratory X, Inc.

◼️アウトサイダーな僕らに興味を持ったのかも

ーーワイちゃんの流れもおもしろいのですが、クミさんのパートは強烈なインパクトを残します。でもあえて言うと、普通ならクミさんにはなかなか近づかないのではと思ってしまいます。ただ規与子さんは、誰に対しても隔てなく話しかけられるので……。

鋭いですね。僕は、実は逃げるタイプなんです。カメラを持っていなかったら、たぶんクミさんからは逃げていたと思います。僕はどちらかというと出不精な人間で、だから牛窓にいても、家の中にいたり、海で泳いだり、あまり人と関わらない。対して規与子はマメに外に出て行くタイプで、クミさんともマブダチみたいに仲良しになってしまう。今回はふたりで映画を撮っているので、規与子の影響が大きい。それプラス、カメラを持っていたからこそ、僕はクミさんについて行ったんだと思います。

ーー坂の上の病院へと想田さんを誘うクミさんですが、せっかく一緒に行ったのに、病院のことはそれほど話していないような……。

まず「病院の建物が新しくて綺麗だから撮れ」と言われても、普通は撮りに行かないですよね(笑)。クミさんはその「場所」というより、「一緒に行く」ということにワクワクするんだと思います。遠足に行く子どものように。クミさんの歩くスピードを見ているとすごくわかります。どこかへ向かうときには弾んでいて、速くて、前のめりに歩いていきます。でもそこから帰るとき、映画では”犬のおじさん”が居なかったと言って戻る足どりは、急にトボトボとなる。「どこかへ行く」というときに気持ちが華やぐというのは、僕自身も子どもの頃、遠足に行くとか、家族で外食に行くといったときに感じた懐かしい感覚です。「病院を見に行く」というのも、クミさんにとってはひとつの一大イベントですよね、「まだ見てないの!?」って(笑)。

ーーイヤとは言わせない押しの強さがありましたね。人懐っこさがある一方で人の中には入らないようにも見えました。例えばバーベキューに誘っても、クミさんは食べなかった。ワイちゃんは一緒に参加して食べてましたが、クミさんは輪の中に入って来ない。そこにクミさんというひとがよく現れていると思いました。

おっしゃる通り、とても象徴的なシーンだと僕も思いました。クミさんはおそらくアウトサイダーなのだと思います。ワイちゃんはある意味インサイダーなんです。つまり「サイクル」の中に入っている人。魚をとる、市場へ持っていく、セリが行われ、魚やで魚が売られる、残りを猫が食べる。そんな牛窓の社会の基幹となる小さな経済サイクルがあって、クミさんはどこかそのサイクルから外れたところにいたと思うんです。だからこそ、外からやってきた「ヨソ者」である僕らに興味を示されたんだと思います。僕らもアウトサイダーですからね。

ーーそういえば、(「どこから来たのか」と問われて答えた想田さんに向かって)「アメリカ?」ってワイちゃんに驚いた顔をされました。ワイちゃんという「中の人」から、想田さんという「外の人」に向ける顔、忘れられません。

たぶん「外」と言ってもせいぜい岡山市あたりから来たんだろうと思ったんでしょうね。それが「アメリカ」と聞いて、急にものすごく思考が跳躍したんだと思います。

ーークミさんはおそらく「どこから来たか」ということには頓着しない方なのではないでしょうか。

そうでしたね。クミさんは僕らの存在をたぶん普通に受けとめていたのではないかと思います。

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(C)Laboratory X, Inc.

◾️「何を聞いているんだろう、俺?」

ーー想田さんが(資料の中で)この映画を能の世界に喩えられていて、最初は何だろうと思ったのですが、次第にモノクロの世界が異次元的で、人が生きているようで生きてなくて、という不可思議な感覚を味わいました。

やっぱりクミさんという存在がそうなのかなと思います。彼女の場合は、半分くらいあちらの世界に行っているのではないかと。実際に行こうとしたこともあるし、きっと息子さんは自分とこの世を結びつけるような存在だったのではないかと。その存在を失くされてから、何かふわふわとした存在になられて、あちらの世界に連れて行かれた。そういう感覚が僕の中にあります。能には「夢幻能」というのがあって、まさに「幽霊が出てきて旅人にそこで起きた悲劇を語る」という能の構造と、この映画には共通点がある。生きてる人を幽霊にしちゃったら申し訳ないんですけど(笑)。

ーー「まさかドキュメンタリーでこんなことができるとは」とも書いていらっしゃいましたけど、不思議なドキュメンタリーだと思いました。

そうですね。不思議で、ちょっと怖かったです。あのシーンを撮っていて。「何を聞いているんだろう、俺?」っていう感じでした。

ーークミさんが病院でされた話はなんとも驚きの内容で、それを他の誰かではなく、想田さんに話しているという状況も、妙につじつまが合うような合わないような不思議な感じです。ところでクミさんとワイちゃんは映画を観られたのでしょうか。

残念ながらクミさんは完成を観ずに亡くなりました……。ワイちゃんは岡山での上映にご招待する予定です。

ーークミさんが夕日を背に映る美しいご自身の姿を観られなかったのは残念です。

本当に残念ですね。

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(C)Laboratory X, Inc.

◾️昔から続く「サイクル」が壊れていく

ーー実は私はなぜか急に感極まったところがあって、それが市場の「セリ」のシーンなんです。

そうなんですか!?

ーー魚がつれていかれて、セリで運命が分かれる迫力のシーンで映画の中へスッと引き込まれたようでした。想田監督は『牡蠣工場』でも、牡蠣剥きの一部始終や、料理を作る女性にカメラを向けるシーンなど、一連の手作業にじっとカメラを向けます。今回も鮮魚店で魚をさばくプロの手順をじっくり観ることができますが、日本人にとって(日本人に限らずとも)原風景なのではないかと思います。今はすでにラッピングされた切り身魚が店頭に並ぶので、魚が口に入るまでの過程を観る機会は少なくなりました。

はい、あの一連の作業をじっくり描きたいと思いました。やっていることは、とてもシンプルです。さっきもお話しした一連の流れ(海で魚をとり、売りたい人と買いたい人がいて、それを買いたい人に届ける)が経済の原型として続いてきたサイクルなんだと思います。同時にそれがいま成り立たなくなっていることが、僕にとっては衝撃なんです。つまり、綿々と続いてきた人類の歴史が、いま変質しようとしている。ワイちゃんが魚をとって始まる流れが、いまや生業として成立しにくくなっている。だから後継者もいないし、廃業する人も多い。何百年もずっと成立してきたものが、なぜダメになってしまうのか。この循環みたいなものが、いま動かなくなっているんです。

ーー『牡蠣工場』のとき、「これは『変化』についての映画だ」とおっしゃっていました。『港町』は「変化」というより「停止」のような、時間が止まっているような感じがします。だけどその停止の中に、人間にとって大切な「サイクル」があり、よく見ると「変化」が起きていることに気づきます、静かに着々と。

そう思います。お墓のシーンでもわかると思いますが、村君(ムラギミ)さんの家は13代続いてきている漁師の家系。おそらくあの丘のお墓の中の人は、ほとんどが漁師だったのではないかと思います。そういう歴史が、いま途絶えようとしている。そして死者も……。僕は死者というのはなんとなく永遠だと思っていたんですが、過疎化でお墓も移動しなくちゃいけなくなったりしますから。

◾️『港町』は断絶した亡霊のような過去とつながる感覚

ーー最近読んだ本の受け売りですが、情報技術の指数関数的な成長で、2045年頃には社会や人間に大きな変化が起こるという説を唱えるレイ・カーツワイル*2というアメリカ人科学者がいます。未来はどうなるのかわかりませんが、ITが発達して便利になり、すべての人に機会が増えて、もっと世の中は平等になっていくのではないかと期待していたら、現実は、格差が広がるばかりです。だからこそ『港町』に描かれているような人間的なサイクルが消滅することの危機感をますます感じます。

牛窓にいるとき、高度経済成長の負の側面を毎日感じていました。牛窓は万葉からあるような古い町です。ところが戦後になって護岸工事が進み、海岸線はほとんどがコンクリートになり、埋め立て地も多いんです。これから人口が増え、スペースが足りなくなるだろうという予測のもとに、そうしたのだろうと思うんです。しかし実際は、人口が増えるどころか、流出して過疎化が進み、埋立地は更地のまま、自然の海岸は海水浴場くらいしか残されていない。だから魚の生息地も減ってしまう。おそらくそれは牛窓だけじゃなくて、日本全国で起きています。もちろん、高度経済成長には肯定的な面もあると思います。僕の母は貧しい家庭に育ったので、経済成長は貧困から抜け出すということでした。母はいまでも古いものより、新しくてピカピカしたものが好きです。病院は新しいから見に行こうと言うクミさんと同じですね。貧困から抜け出すために、近代化や経済成長がものすごいスピードで起きましたが、同時に多くのものを破壊してきました。それは自然だったり、共同体だったり、倫理観だったり。最近、高度経済成長は「あの頃はよかった」なんて懐かしがられたりしますが、それだけではないのではないか。もっと言うと、明治以降の近代化や、さらには産業革命以降の人類全体の歴史の、正の側面だけではなく、負の側面も見ないとまずいのではないかと思うんです。何か歴史と断絶している感じがあって、『港町』には断絶した亡霊のような過去とつながる感覚があります。

ーー指数関数的な技術の加速に人間が追いつけない怖さはありますね。

本当に危険だと思います。このスピードの加速がなかったら、トランプ大統領だって生まれていなかったでしょう。だから今こそ「よく見る、よく聞く」ということが大切なのだと思います。それは「立ち止まる」ということです。観察映画の方法論や哲学は、僕にとっては日々の態度というか、この加速していく世界に対するアンチテーゼというか、解毒剤というか、そういうものだという感覚はあります。僕らはもっと立ち止まって、過去と繋がらなければならないと思います。過去に置いてきたものが多すぎる気がしますし、それを省みていない、供養していないと思うんです。いっぱい破壊し、殺してきたのに、その自覚がない。ささやかながら『港町』はひとつの供養になっているのではないかと思います。供養の方法はいろいろありますし、それを狙ったわけではないのですが、結果的にはそういう映画になっているのではないかという気がします。死者を弔うという行為は、人間にそもそも備わっている性質だと思うんです。それを綿々と続けてきたのが人類ではないかと。

ーーそれがいつのまにか疎かになってしまった。

政治学者の中島岳志さんがおっしゃるように、死者に対する軽視というのは、歴史に対する軽視ということだと思います。様々な死者があったから「いま」があるのに、あたかも死者がなかったかのように振舞っているのがいまの私たちの傾向だと思うんです。だから過去との断絶が起こる。あるいは過去と断絶するからそうなっているのかもしれないし、過去の遺産というか、過去から積み上げられてきた時間というものに思いを馳せられなくなってきています。いままで長い間続いてきたものを、簡単に破壊しようとする。たとえば辺野古もそうです。そこにずっと暮らしてきた魚たちがいるし、サンゴ礁だって、人間が生活するよりも前からずっと生息してきた。そういうものをなんだかわからない理由で埋め立てようとする。僕は政治的なことを置いておいても、あの海を埋め立てるということ自体にすごく倫理的・心理的な抵抗があります。

ーーところで『港町』に関する海外評が素晴らしく、とりわけバーバラ・ワーム(TAZ)さんは「親密で感情に訴える新しい次元に到達した」と書かれています。観察映画の新しい次元、私も実にそういう感じがしました。観察映画も変化、進化していて、しかも想田さんは『選挙』のときのように身を潜めて撮影していた”忍者”ではもうない。

そうですね。もう完全に忍者じゃないですね。

ーーそれはもう、うしまど猫たちと同じくらい存在感がありました(笑)。

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(C)Laboratory X, Inc.

Information:

『港町』

監督・製作・撮影・編集:想田和弘

配給:東風+gnome

映画『港町』公式サイト|想田和弘監督観察映画第7弾

47()よりシアター・イメージフォーラムにてロードショー、ほか全国順次公開

archive.realtokyo.co.jp

imidas.jp

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「めぐりあい JAXA 2018 -かぐやとだいちとわたしたち-」の観望会@せんがわ劇場(調布映画祭)

衛星『だいち』が捉えた地表(東北地方)、何を語る?

文:福嶋真砂代

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2018年2月17日、せんがわ劇場にて「めぐりあいJAXA 2018 -かぐやとだいちとわたしたち」の観望会(調布映画祭)」が行われ、会場は宇宙ファンと地元のみなさんで満員になりました。昨年に続いて2回目となります。今回は、第1部「『かぐや』が捉えた月面(テクノロジーお月見:山あり谷あり穴あり!)」第2部「衛星『だいち』が捉えた地表(東北地方(だいち最後の仕事 311を観測する)」の2部構成でした。
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この「『めぐりあいJAXAの観望会」は、「JAXA宇宙航空研究開発機構人工衛星から送られた膨大なデータから、テーマに沿ったセレクション画像を動画に変換、新たな「映像」という形にして、地球のみんなで”ただひたすら”眺めよう」というシンプル極まる趣旨のイベント。キュレーターの澤隆志さんを中心に集まった宇宙愛好有志でサポートしています。映像作家の五島一浩さんが映像を制作、ゲスト解説者には、JAXAの度會英教さん、RESTEC一般財団法人リモート・センシング技術センター)の向井田明さん&山本彩さんを迎えました。また今回初の試みの幕間サウンド、ゲストDJのJUN80KIDZ)さんが創るクールなせんがわ的宇宙空間演出も堪能しました。衛星映像には音も音楽もなく、まるで真空状態の宇宙空間を疑似体験するかのように、サイレントな空間に遊び、目の前の大スクリーンには地球や月の映像が流れていく。どこが映されているかという解説もなく、テロップもない。ただただ眺めることに集中する、そんな観望会です。

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第1部「『かぐや』が捉えた月面 [テクノロジーお月見:山あり谷あり穴あり!] では、まず度會さんナビゲートによる月周回衛星「かぐや」のあらましと仕事についてのわかりやすい解説に耳を傾けた後、鉱物研究のバックグラウンドを持つ山本さんから「かぐや」のミッションやトリビア、穴の話、また月の誕生について鉱物的なアプローチに心ときめかせるひととき。なんと月と地球は「恋人関係」に近いかもしれない説、「アポロ11号は本当に行ったの?」と挑発的な突っ込みを入れる澤さんにドキドキしながら(着陸エビデンスがあるのだそう)、月への思いが深まった頃、かぐやが捉えた月面の表裏まるごと、あの有名になった「地球の出」も、そしてかぐやの最期の瞬間まで、約30分間の完全なる静寂の中での「お月見」は荘厳でした。

-intermission-

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第2部「衛星『だいち』が捉えた地表(東北地方)[だいち最後の仕事 311を観測する]」では、2011311東日本大震災前後のデータにフォーカス。関係機関各方面からの要請に応じてデータの提供に東奔西走していた向井田さんが、リモートセンシングの緊迫の現場でどんな仕事をしていたのか、また震災の前と後の「だいち」から送られた画像の差異について、リモートセンシングプロ視点による画像の見方を明かしてくれました。地球にどんなことが起ころうとも、ひたすら地球観測を続け、データを送り続ける「だいち」とリモートセンシングの仕事の重要性をあらためて感じつつ、震災当時撮影された画像を含む約30分間の地球(東北)を見つめました。

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“めぐりあいJAXA”とめぐりあう

ところで私のプロジェクトとの関わりを紹介しますと、ちょっと時間をさかのぼります。JAXA(当時NASDA)のALOS(「だいち」陸域観測技術衛星 2006124日打ち上げ-2011422日ミッション終了)プロジェクトチームのウェブ担当者としてRESTECに在籍したのは打ち上げ前の短い期間でしたが、そこで、H-IIAロケットに乗って打ち上げられ、地球を周回してデータを送り続ける、3つの目(パンクロマチック立体視センサ(PRISM)、高性能可視近赤外放射計2型(AVNIR-2)、フェーズドアレイ方式Lバンド合成開口レーダ(PALSAR))を持つ人工衛星「だいち」にめぐりあいました。人間の役割は、地球上でデータを受けとり、解析データを様々な研究(地震津波、台風などの災害状況の観測や防災分野のほか、森林監視や自然環境の保全、農業分野での活用、25千分1地形図の作成に利用されるなど、幅広い分野で「だいち」の観測データが活用されてきました。5年間で全世界を約650万シーンも撮影し、2011年に発生した東日本大震災では被災地を400シーン撮影し、各関係機関に情報を提供し続けました。ーだいちHPより)に活用することと知りました。率直な感想を言えば、そこにはひとかけらの派手さもない、地味な仕事の繰り返しであること。しかしデータが一旦「画像」という形に変換されたとき、その美しさに圧倒されずにはいられない。それら膨大な素材が、もし一般の人の目に触れる機会が少なく、どこかに眠っているとしたら惜しい、そんな思いをふと持ちました。

その膨大なデータとともに、科学者たちの職人技とも言える解析とたゆまぬ研究、とりわけ地球観測という現場において働く人々のことを書きたいと、以前コラム(『ご近所のOLさんは、先端に腰掛けていた。』)を連載していた『ほぼ日(ほぼ日刊イトイ新聞)』の糸井重里編集長に相談したところ、「それ、やりましょう。ぼくも宇宙は好きだし、ロケット打ち上げも見たいね」ということで『お隣が宇宙、同僚がロケット』というコラムをスタートさせてくれました。しかし仕事とコラムの両立は難航し、ささやかな情熱は宇宙の彼方のデブリになってしまったかのようでした。その後も向井田さんと企画しては挫折しながら、いろいろ諦めかけていた2016年の秋、澤さんから「調布映画祭のイベントで「だいち」のコンテンツを観せることができないかな」と相談を受けました。すぐに浮かんだのはやっぱりRESTEC元同僚の向井田さんの顔。過密スケジュールの合間をぬって、澤さんと向井田さんの運命の「めぐりあい」が実現(たしかに何かがハマるカ”チャリ”という音が聴こえたような、聴こえないような......)、現在に至ります。大盛況だった筑波宇宙センター特別公開日(2017年9月30日)の観望会を入れると3回目の上映会となった今回、向井田さんのリモセン魂と、度會さんの日本の宇宙事業を網羅するやわらかな解説、山本さんのエッジの効いた鉱物トークがぐっと彩りを添え、さらに澤さんの「突っ込みMC」はますますドライブがかかってきました。今後も、興味深いテーマを追いかけ、「だいち」と一緒にまわるめぐりあいの旅、 観望ツアーはまだまだ続きます。

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参考サイト

めぐりあいJAXA2018 - YouTube

www.jaxa.jp

www.jaxa.jp

www.restec.or.jp

KazuhiroGoshima_index

http://80kidz.net/home/ 

www.facebook.com

realtokyocinema.hatenadiary.com

 

衛星「かぐや」と「だいち」 ©JAXA - 調布経済新聞